domingo, 15 de febrero de 2026

Top 20 mejores tráileres de SUPER SMASH BROS. según mi opinión [Parte 1 de 4]

Fandom: Super Smash Brothers.
Nivel de conocimiento previo requerido: Bajo o medio.
Tiempo estimado de lectura: 21 minutos.

[Parte 2 disponible a partir del 22 de febrero]

Ha pasado mucho tiempo desde la última vez que hablé de videojuegos, ¿eh?

Normalmente, cuando decidimos nadar en el vasto océano de los videojuegos aquí en Título en Proceso, nos limitamos a recorrer las aguas de los apartados artísticos, como la historia, la música y el estilo visual. En contraposición, apartados más técnicos como el gameplay son un territorio que si acaso he llegado a tocar en un máximo de siete menciones.

Hay una explicación simple y lógica para esto, y es que cuando se trata de jugar videojuegos, YO TENGO DOS MANOS IZQUIERDAS. Tengo un nivel de coordinación tan, pero tan bajo que NUNCA EN LA VIDA he logrado pasar al completo ni siquiera un plataformero de Super Mario. Lo más cercano que he logrado es terminar una partida de Paper Mario 64, pero considerando que ese es más un juego RPG que un plataformero, el mérito disminuye bastante.

Pero incluso con mi pobre coordinación ojo-mano, existe cierta franquicia de videojuegos altamente competitiva en la que me he logrado sentir cómoda, con todo y su alto grado de complejidad. Esa franquicia es, como lo han leído en el título de esta publicación, la franquicia de Super Smash Brothers (comúnmente abreviada como “Smash Bros.”, “Smash” o “SSB”). 

El logo actual de la franquicia. Aunque técnicamente hemos tenido este logo desde 2001, cada nuevo juego suele introducir una variación en el color o la textura de las letras. El logo actual es el más minimalista de todas las variantes.

No estoy diciendo que una servidora sea buena peleando en Smash, pero el sistema de juego es lo suficientemente amigable como para brindarnos una cálida bienvenida hasta a los jugadores más inexpertos. Por eso, llevo poco más de 12 años siguiéndole la pista a este peculiar crossover de peleas… lo que obviamente se traduce en que he desarrollado preferencias y gustos bien definidos al respecto.

Para cualquier fan de Smash Bros., pocas cosas son motivo de tanta emoción como el periodo de promoción para cualquier nueva entrega, debido a que en ese periodo se publican los tráileres cinemáticos: animaciones de alta calidad con las que se nos revelan a los espectadores quienes serán los nuevos peleadores del nuevo juego en cuestión.

Los tráileres cinemáticos de Smash Bros. son de las cosas más apreciadas por su fandom debido a su calidad artística y el notorio cariño que tienen por detrás. Y siendo yo una ávida defensora del arte lleno de alma, no hay modo en que vaya a dejar pasar la oportunidad de hablar de estos tráileres. Por eso, a continuación les presento mi top 20 de tráileres cinemáticos en la franquicia de Smash Bros.

Como siempre en esta clase de casos, he escogido a mis enlistados con base en ciertas reglas, aunque en esta ocasión han sido pocas. En resumen, cualquier tráiler que encaje en una de las siguientes categorías NO era elegible para el top:

– Las cinemáticas pensadas para ser usadas como comerciales no pueden entrar, pues carecen de ese espíritu genuinamente “de película” y caen más bien en el terreno “de televisión”. Eso descarta a la serie de comerciales “Settle it in Smash”, al comercial “More Fighters”, entre otros.
– Los tráileres no-cinemáticos tampoco pueden entrar, pues como dije antes, carecen de ese espíritu “de película”. Eso descarta a los tráileres de Smash 64 y de Smash Melee.
– Los tráileres para anunciar trajes Mii tampoco son elegibles, pues técnicamente no son revelaciones de personajes nuevos: son sólo meros disfraces. Eso descarta a los anuncios para los trajes de Sans, Doomguy, etcétera.

Ahora sí, les presento mi top 20 de tráileres de Super Smash Bros., según mi OPINIÓN PERSONAL Y SUBJETIVA. Para ver ustedes mismos cada tráiler, sólo necesitan hacer clic en sus respectivos títulos.

PUESTO 20: “Un Perro, un Pato, un Zapper

Esto que les diré ahora será algo que necesitarán guardar en consideración durante el resto del top, para que entiendan mejor cómo juzgo personalmente estos tráileres:
Super Smash Bros. es una franquicia crossover de peleas, así que lo que yo espero en sus tráileres son buenos crossovers y/o buenas peleas. Al final del día, ¿de qué sirve juntar varias sagas en un solo lugar, si no permites que sus miembros interactúen?

En el tráiler del Dúo Duck Hunt, vemos al perro y al pato siguiendo su rutina videojueguil ordinaria: el pato vuela intentando no recibir un disparo del jugador; si el pato recibe el tiro, el perro lo captura para ti, y si el pato no recibe el tiro, el perro se burla de tu falta de puntería. Sin embargo, mientras esto ocurre, el dúo nota que hay algo fuera de lo ordinario en su pixelado entorno.

Y es que Mario, Link, Donkey Kong, Pit, Samus y Bowser han llegado al mundo de Duck Hunt para invitar a la dupla a unirse a un juego más moderno. Al llegar para extender la invitación, el grupito también está animado en estilo pixel art, pero después de que Mario les señala con la mano que se unan a la diversión, todos saltan al estilo 3D de los videojuegos modernos. El Dúo Duck Hunt se atreve a dar también el salto al 3D, y con ello oficialmente se vuelven peleadores para Smash 4.

Mario y compañía apareciendo en el universo Duck Hunt para invitar al perro y al pato a Smash.

Mario y compañía pasando a su apariencia moderna durante su invitación.

Carta de confirmación del Dúo Duck Hunt como peleadores de Smash.

La razón por la que encuentro lindo el pixel art en este tráiler es que la intención no es sólo mostrar cómo eran las cosas antes, sino exhibir lo mucho que el paso del tiempo ha cambiado al entorno videojueguil. Puedes ver cómo Mario pasó del café al azul como color complementario en su ropa, cómo cambió la forma del traje de Samus, cómo Pit se ha vuelto prácticamente un personaje distinto, etcétera.

Esa exhibición visual del cambio de épocas me parece encantadora, y por eso dejo en el puesto 20 al tráiler del Dúo Duck Hunt.

PUESTO 19: “¡Snake se Une a Brawl!

Todo el mundo sabe que Smash 4 fue el punto donde los tráileres de esta franquicia se volvieron un evento cinemático. Antes de eso, no teníamos videos muy destacables, pero nadie comienza siendo un experto a la primera, ¿verdad?

El tráiler de Snake para Smash Brawl es como un gateo a comparación del paso acelerado de las entregas más modernas, pero al mismo tiempo, guarda ese toque especial que Sakurai explotaría a fondo en el futuro.

La trama es simple pero graciosa: por medio de su intercomunicación privada, dos militares discuten sobre su más nueva misión. El Coronel Campbell le pregunta a su soldado, David (nombre clave: Solid Snake) si está familiarizado con el enemigo, y tras confirmarlo, le ordena que “le muestre de qué está hecho” y que “no se contenga.

Carta de confirmación de Snake como peleador de Smash.

Toda esta charla sonaría súper seria y riesgosa… de no ser porque la pantalla nos está mostrando que ambos hombres están hablando de Mario. Más que una misión secreta, todo apunta a que Snake sólo se está preparando para tener una pelea amistosa contra el fontanero italiano. Es chistoso ver a un coronel hablándole a un soldado como si estuviese por pelear contra una dictadura, mientras la yuxtaposición de Mario se hace presente en la pantalla.

El Coronel y Snake hablando en su comunicador acerca de Mario.

La franquicia de Smash no es ajena a introducir comedia en sus tráileres, y me gusta ver al anuncio de Snake como uno de sus primeros pasos en esa categoría. Por eso lo dejo en el puesto 19.

PUESTO 18: “Un Retador desde las Sombras

Antes de ser una fan de Smash, yo ya era una fan de Pokémon. Habiendo comenzado mi fanatismo al mismo tiempo que la sexta generación daba sus primeros pasos, Greninja era de mis especies favoritas. También, la miniserie de “Pokémon: Los Orígenes” me había dejado encantada con Rojo y su inseparable Charizard. Bajo ese contexto, supongo que a nadie le extrañará que este tráiler me haga sentir nostálgica.

La presentación de Greninja y Charizard no tiene una historia que contarnos, y se enfoca sólo en hacer que su batalla principal se vea tan épica como sea posible. El tráiler comienza con Charizard lanzándose a pelear en solitario contra Mario, Samus, Link, Kirby y Olimar. El fontanero lanza una ofensiva directa, mientras sus cuatro aliados usan proyectiles. Charizard esquiva los proyectiles, y se prepara para combatir el fuego de Mario con su propio aliento flamígero.

Carta de confirmación de Charizard como peleador de Smash.

Sin embargo, un instante antes de que ambas llamaradas hagan contacto, un Shuriken de Agua se cruza en su camino y los frena, recordándonos cómo funciona la tabla de tipos de Pokémon. Pronto descubrimos que quien lanzó el shuriken fue Greninja, quien siente que ya ha causado una impresión lo suficientemente buena y decide marcharse sin decir una palabra (o sin croar un ruido).

Un Shuriken de Agua interrumpiendo el combate de Mario y Charizard.
Carta de confirmación de Greninja como peleador de Smash.

Aunque la premisa no tenga mucho por contarnos, no podemos negar que la pelea está muy bien animada. Además, la escena inicial de Charizard lanzándose al combate como si él representara a todos los demás Pokémon en Smash es un buen fanservice.

En la actualidad, la mayoría de nosotros está harto de ver a Charizard en todos lados, pero en 2014 esa queja no existía. Una buena pieza de nostalgia, y una batalla entretenida: este tráiler es un digno merecedor del puesto 18.

PUESTO 17: “Un Rugido Penetrante

Seamos sinceros, amigos lectores: este tráiler merecía ser al menos 15 segundos más largo, pues aunque fue bueno, a todos nos quedó debiendo una pelea.

Nuestra historia comienza con Samus liderando una pequeña expedición a través de un edificio en penumbras. Sus acompañantes son Mario y Mega Man. El silencio y la oscuridad vuelven tenso el recorrido, pues se puede notar bastante cautela en el trío de peleadores.

Samus, Mario y Mega Man explorando el edificio oscuro.

De repente, Mega Man desaparece en un instante: una enorme criatura alada se lo ha llevado sin hacer ningún ruido, y lo ha matado atravesándolo con su puntiaguda cola. La siguiente víctima es Mario, siendo igualmente secuestrado en un segundo por la criatura voladora sin hacer ningún ruido.

Samus no se ha dado cuenta de que se ha quedado sin aliados… pero su instinto es de lo más agudo, estando acostumbrada a la exploración de zonas tétricas habitadas por criaturas peligrosas. Por eso, aunque el secuestrador alado no ha hecho ni un ruido, algo en el interior de la cazarrecompensas le dice que hay maldad al acecho. Tras respirar hondo, Samus se da la vuelta apuntando su cañón al frente, y por fin se da cuenta de que ni Mega Man ni Mario siguen con ella. Un tremor se siente debajo del puente en el que está parada, y momentos después, la criatura alada emerge enfrente de ella.

Aunque el casco cubre casi toda su cara, los ojos de Samus son más que suficientes para que captemos su horror, pues la criatura resulta ser ni más ni menos que su enemigo más despiadado. Con un rugido y un gesto de burla hacia sus dos víctimas anteriores, Ridley se lanza a la ofensiva contra Samus. Ella responde liberándose de su Traje Varia y lanzándose a combatir cuerpo a cuerpo contra el dragón espacial… y ahí termina la historia.

Carta de confirmación de Ridley como peleador de Smash.

A eso me refiero con que este tráiler debió durar un poco más: ¿cómo es que nos ponen un reencuentro tan genial entre dos enemigos mortales, pero nos cortan la acción justo antes de que inicie? La atmósfera de terror y suspenso en el segmento inicial está muy bien lograda, pero con ese corte abrupto antes de la pelea, me temo que el puesto 17 es lo más alto que Ridley puede llegar.

Por cierto, aquí les dejo un pequeño headcanon de mi parte: tengo la teoría de que el edificio abandonado donde este tráiler ocurre es el Centro de Investigaciones de Smash Brawl, ahora en un estado de deterioro tras la derrota de Tabuu. Ridley fue enfrentado ahí durante los eventos del Emisario Subespacial, así que no sería difícil imaginar que este se volvió su hogar una vez que el Ejército Subespacial se fue.

Durante el Emisario Subespacial (en Smash Brawl), los Smash Brothers tienen una pelea contra Ridley en el Centro de Investigaciones. Mi headcanon es que 'Un Rugido Penetrante' ocurre en este mismo lugar.

PUESTO 16: “El Asesino de Vampiros

Seguimos con otro tráiler de suspenso y terror, sólo que esta vez no nos quedan debiendo una pelea, y por el contrario, también nos dan algo de comedia.

El tráiler arranca con Luigi en una de sus típicas expediciones por lugares encantados, siendo la locación del día un viejo castillo medieval. No obstante, hay algo fuera de lugar: en vez de los típicos fantasmas de caricatura que normalmente vemos en los juegos de Super Mario, aquí Luigi se está topando con momias realistas, espíritus tétricos y otras criaturas más temibles de lo que él podría manejar.

Luigi descubriendo que el busto de Medusa en la habitación en la que está no es una simple figura de piedra.

Mientras el fontanero de verde intenta salir con vida de semejante entorno de pesadilla, vemos cómo una persona encapuchada también entra al castillo. Luigi se topa con la mismísima Muerte, quien le arranca en alma de un certero guadañazo. Pero antes de que la criatura pueda hacer algo más, el encapuchado misterioso aparece en escena y le rompe la mandíbula a la Parca con su látigo bendito.

La Muerte arrancándole el alma a Luigi.

Quitándose la capucha, todos descubrimos que nuestro héroe del día es Simon Belmont, quien, leal a su fama como cazador de monstruos, no desperdicia ni un segundo en derrotar a la Muerte con ayuda de su Cruz-Bumerang. Sin embargo, tanto barullo parece incomodar al dueño del castillo: Drácula. Simon batalla un poco para mantener a raya al malvado conde, pero por suerte, su pariente Richter Belmont entra en acción para echarle una mano.

Carta de confirmación de Simon como peleador de Smash.

Carta de confirmación de Richter como peleador de Smash.

Al final, todo termina bien… excepto para Luigi, cuya alma sigue demasiado asustada como para volver a entrar a su cuerpo físico. Un desenlace chistoso para un tráiler de lo más épico. Si les soy sincera, la presentación de Simon y Richter no sube más alto simplemente porque no son personajes de mi interés.

El puesto 16 será injusto de manera objetiva, pero en mi subjetiva opinión, ahí es donde la dupla Belmont pertenece.

PUESTO 15: “¡Cloud Tempestea la Batalla!

Se dice que una imagen vale más de mil palabras. También se dice que un silencio puede ser tan impactante como un estruendo. Si hay un tráiler de Smash que encarna esos principios, ese sería el de Cloud en mi opinión. Este tráiler pertenece al septeto que nos presentó a los DLC de Smash 4, pero a diferencia de sus seis acompañantes, esta entrega sí supo jugar sus limitadas cartas.

Para quienes no conozcan la saga Final Fantasy, el inicio del tráiler podrá lucir genérico: la cámara se mueve sin rumbo a través de un cielo nocturno lleno de estrellas, sin nada interesante en nuestras pantallas. Pero para quienes sí conozcan Final Fantasy, la suave melodía sonando en el fondo les será familiar, encendiendo las alarmas de que algo GRANDE está por ser anunciado.

Con todo el drama del mundo, el logo de Smash 4 aparece en pantalla, luego desaparece, y luego es reemplazado por un símbolo “×”. Este símbolo se utiliza en Smash para representar que un crossover nuevo e importante está por ser revelado. Mientras estos logos aparecen y desaparecen con lentitud, la música de fondo va aumentando su volumen, por lo que de nuevo, el identificar el nuevo crossover dependerá de qué tan familiarizado estés con ese sonido en particular.

El comienzo de este minimalista tráiler consiste únicamente de imágenes del logo de Smash 4,...
...una "×" para simbolizar el crossover,...

...y el logo de Final Fantasy VII.

Por fin, al mismo tiempo que la melodía entra en su segmento más importante, el último logo aparece en pantalla: “Final Fantasy VII”. OK, entonces ya sabemos que el juego más importante de la saga Final Fantasy estará en Smash, ¿pero cuál de entre todos sus personajes será el representante elegido? La respuesta la recibimos de inmediato, pues ahora la cámara nos muestra con dramatismo un par de botas y una espada gigante.

Eventualmente, el tráiler se digna a darnos un plano completo del fulano, y para sorpresa de nadie, nos topamos de frente con Cloud Strife, quien no puede creer que ha sido invitado al plantel de Smash. Incluso, a modo de pequeño bonus, resulta que el SOLDADO (sí, la nomenclatura de su título va en mayúsculas) ha venido con dos trajes de pelea distintos: el habitual de Final Fantasy VII, y el especial de Final Fantasy VII: Advent Children. Con eso, el tráiler ya nos ha dicho todo lo que tenía por decir.

    Carta de confirmación de Cloud como peleador de Smash.

Una escena del tráiler mostrando a Cloud en sus dos trajes. A la izquierda, la variante de Advent Children; a la derecha, la versión regular.

Además de su característico minimalismo, el tráiler de Cloud es apreciado por ser uno de los puntos de inflexión más importantes en todo Smash. Antes de este tráiler, se tenía la idea de que uno de los requisitos para que un personaje entrara al crossover era tener historial directo en una consola de Nintendo. No obstante, siendo Final Fantasy VII un juego exclusivo de PlayStation/Sony, la inclusión de Cloud en el plantel significó que ese límite ya no existía: si eres parte del mundo videojueguil, da igual si tienes lazos con Nintendo o no para entrar a Smash.

Un tráiler muy significativo para un personaje histórico en el mundo de los videojuegos, dignísimo merecedor del puesto 15 en mi top personal.

CONTINUARÁ… [Parte 2 disponible a partir del 22 de febrero]

domingo, 1 de febrero de 2026

Diez personajes de los Looney Tunes que merecen más reconocimiento [Parte 2 de 2]

Fandom: Looney Tunes.
Nivel de conocimiento previo requerido: Bajo o medio.
Tiempo estimado de lectura: 17 minutos.

[Link a la Parte 1 disponible aquí

6.- SILVESTRE (1945) Y PIOLÍN (1942) [PREVIO A SU UNIÓN]

Quienes hayan leído cierta publicación mía de los Looney Tunes conocen bien mi opinión de Silvestre y Piolín: lo peor que les pudo pasar fue volverlos rivales inseparables. Yo detesto los cortometrajes con esta dupla porque me parecen repetitivos y aburridos, y recuerdo con cariño aquellas apariciones de los personajes antes de su roce inicial en 1947.

Iniciemos con Piolín, quien nació en 1942 de la mano de Bob Clampett. La mayoría recuerda a este personaje como un canarito tierno y mayormente indefenso, dependiente de la Abuelita y de Héctor el Bulldog para defenderse de Silvestre. A veces, Piolín era capaz de cuidarse por su cuenta, pero su modo de actuar denotaba cierta inocencia, además de un claro deseo de no lastimar a Silvestre más de la cuenta.

Sin embargo, Piolín era mucho más “intenso” en sus comienzos. Antes de que la Abuelita y Héctor estuvieran ahí para cuidarle la espalda, y antes de ser representado como una mascota feliz en su jaula, Piolín era una cría de canario recién nacida que debía sobrevivir sola en la naturaleza. Su diseño lo representaba sin plumas y con una cara somnolienta, dejando una primera impresión de vulnerabilidad como en cualquier bebé.

Pero ya sabemos que Clampett era un maestro de la yuxtaposición, por lo que mientras más indefenso luciera uno de sus personajes, más letal sería. Contrario a su apariencia tan indefensa, el Piolín original era una bestia a la hora de lidiar con los gatos callejeros que querían comérselo. En cuanto el canarito divisaba al enemigo, la cara le cambiaba por completo, yendo de una expresión adormilada a un valor efusivo. Este Piolín no necesitaba jaulas, perros o abuelas para cuidarse: él solito era más que suficiente para cuidarse de decenas y decenas de “lindos gatitos”.

Así lucía Piolín antes de volverse el rival de Silvestre. Este diseño duró sólo tres cortometrajes, y se rumorea que fue cambiado por la versión de plumas amarillas que todos conocemos debido a problemas de censura: por algún motivo, al Código Hays no le gustaba la idea de tener a un pajarito de caricatura desnudo en pantalla.

Luego tenemos a Silvestre, quien en el pasado tenía más actividades en su rutina además de “cazar a Piolín para comérselo”. De hecho, Silvestre logró mantenerse un poquito polifacético incluso después de juntarse con Piolín en calidad de coprotagonista.

Similar a Claude, Silvestre estuvo diseñado desde el comienzo como un saco de boxeo con patas, destinado a ser la burla de sus cortometrajes. Sin embargo, la diferencia estaba en que Silvestre era usado para chistes mucho más oscuros, con referencias relativamente frecuentes al suicidio o las adicciones, por dar unos ejemplos.

No obstante, cuando no estaba siendo subyugado por alguna (literal) ave de mal agüero, Silvestre era bastante bueno para tomar el control de la situación. Los pájaros eran la única debilidad del Silvestre original, porque fuera de ellos, su habilidad para salir airoso de sus problemas era bastante buena.

Por ejemplo, en “Kitty Kornered” lo vemos echando al dueño de su propia casa a la calle para él disfrutar de sus comodidades, en “Back Alley Oproar” lo vemos llevando a la décima potencia el asunto de que ‘los gatos son muy ruidosos en la noche y no dejan dormir’, y en “The Scarlet Pumpernickel” lo vemos interpretando al villano principal en la película que Lucas está armando.

Este es el diseño provisional de Silvestre más distinto que tuvimos respecto al diseño oficial definitivo. La captura proviene de "Kitty Kornered", el cual es el mejor cortometraje individual de Silvestre en mi opinión subjetiva.

Piolín era independiente y agresivo, Silvestre era oscuro y polifacético, y yo me pregunto por qué tuvimos que dejar todo eso atrás después de su primera aparición conjunta. En cuanto ambos personajes se juntaron, el canario perdió al menos la mitad de su intensidad y el gato perdió al menos la mitad de su astucia. Extraño a los Silvestre y Piolín de antes, y siento que merecen más respeto por lo que eran antes de su flanderización.

7.- MAC Y TOSH [INTERPRETACIÓN DE ARTHUR DAVIS] (1947)

Como dije antes, Clampett era un maestro de la yuxtaposición: mientras más inofensivo luzca un personaje, más letal es en realidad. Cuando él decidió abandonar el equipo de los Looney Tunes, los cortometrajes que dejó inconclusos fueron repartidos entre otros dos directores: Robert McKimson y Arthur Davis. Entre la mitad de trabajos incompletos que le tocaron a Davis, se encontraba “The Goofy Gophers”, el cual era el debut de Mac y Tosh.

A diferencia de Hubie y Bertie, quienes tienen una que otra diferencia entre ellos, Mac y Tosh son indistinguibles el uno del otro. Si me dijeran que son clones, me lo creería.

Técnicamente, Clampett es el creador de esta dupla de tuzas, pero como Davis fue quien terminó el trabajo y les dio uso a los personajes en apariciones futuras, yo prefiero considerarlo a él como su verdadero dueño. Es por eso que lo pongo a él en el encabezado en vez de Clampett. Aclarado ese detalle, podemos proseguir.

En resumidas cuentas, la gracia en este par de tuzas estaba en cómo combinaban educación y agresión: dos conceptos casi opuestos. Mac y Tosh son excesivamente considerados: no pueden hacer virtualmente nada a menos que les den permiso de hacerlo. Pueden discutir por un largo tiempo sólo para saber quién camina al frente, y arruinan a propósito cualquier competencia con tal de ser corteses y dejar ganar al oponente.

Mac y Tosh son la elegancia encarnada, pero eso no significa que sean tontos ni dejados. Si ven que su civilidad no es correspondida, las tuzas simplemente la abandonan en favor de los típicos actos de un Looney Tune promedio, siendo ahí donde el verdadero humor del cortometraje comienza. Si hay algo más divertido que dos tuzas moliendo a sus enemigos con dinamita, eso es dos tuzas moliendo a sus enemigos con dinamita mientras hablan como un par de caballeros.

Lo que más me gusta de Mac y Tosh es que, en aquel entonces, solían tener a un enemigo que actuaba igual que ellos. Este enemigo era un perro, y aunque nunca recibió un nombre (por lo que se le suele conocer simplemente como “el Perro”), sí que recibió mucha personalidad.

El Perro solía actuar tan elegante como los propios Mac y Tosh, o incluso más (considerando detalles como su marcado acento y sus pasatiempos tan refinados). Sin embargo, conforme proseguía la trama y recibía su merecido de parte de las tuzas, el Perro iba perdiendo esa finura de actuar debido a la frustración. Para cuando el cortometraje terminaba, el público quedaba con la firme idea de quiénes en serio eran los educados, y quién sólo fingía ser de alta categoría.

El Perro tiene un diseño distinto en cada aparición que tiene. Considero que el más icónico es este, proveniente de "Two Gophers from Texas".

Por desgracia, esta dinámica entre Mac, Tosh y el Perro se esfumó cuando Arthur Davis fue despedido y los personajes pasaron a manos de Friz Freleng. Con el cambio de director, el Perro fue descartado, y Mac y Tosh se volvieron propaganda anti-industrial por algún motivo. Siento que, al hacer estos cambios, los personajes perdieron una gran parte de su encanto, y por eso considero que aquella versión original de Mac y Tosh según Arthur Davis merece más respeto.

8.- CHARLIE EL PERRO (1947)

Y porque ya es tradición en este blog, toca hablar una vez más de la animosidad que Chuck Jones le tenía a Bob Clampett, y de otro de los modos en que esa animosidad se manifestó en su trabajo. No nos hagamos tontos: Jones se robó a Charlie, aprovechando que la renuncia de Clampett no incluyó los derechos de autor de sus creaciones.

Nacido en 1941 bajo el nombre de “Rover”, el personaje fue concebido desde el inicio como una parodia a la frase de que “el perro es el mejor amigo del humano”. Guiado por un ego cómicamente enorme, Rover debuta en el cortometraje “Porky’s Pooch” intentando forzarse a sí mismo como la ‘querida mascota’ del cerdito, por mucho que él insista que no quiere una mascota.

Aquí tenemos a Rover, en aquel lejano entonces de 1941.

Después de robarse hacerse con el personaje, Jones le dio un rediseño completo y le cambió el nombre a “Charlie”, sin mencionar el obligatorio maletín de lore que él amaba darles a sus creaciones (aunque en este caso no fuera realmente suya).

Jones transformó a Rover/Charlie en un narcisista total quien se cree la Novena Maravilla del Mundo, y por tanto, merecedor de cualquier cosa que desee. En su delirante cerebro, Charlie se ve como un santo por sólo exigir un hogar a cambio de su “fina” compañía, por lo que no puede procesar el hecho de que la gente no lo quiera.

Inicialmente, las personas lo rechazan sólo porque no están interesadas en un perrito, pero después de unas horas de insistencia desproporcionada, su desinterés se transforma en odio. Al mismo tiempo, la ausencia de buena disposición provoca que Charlie se ponga cada vez más insistente, al grado de casi tachar de “estúpido” a su deseado dueño por rechazar a un “perrito perfecto” como él.

Y aquí tenemos a Charlie después de que Jones le aplicara su toque mágico.

Así acabamos con un personaje cómicamente harto de la compañía indeseada, y otro personaje cómicamente desesperado por un acompañante deseado. Tal vez Charlie no sea un personaje 100% original de Chuck Jones, pero en definitiva lleva su sello personal como artista. Siendo yo una fan del estilo de Jones, creo que no necesito dar más explicaciones de por qué deseo más atención para Charlie.

9.- HEATHCLIFF Y LOUIE (1948)

Otra de las grandes obras de Arthur Davis, sólo que esta vez tenemos a personajes totalmente suyos (en vez de ser heredados de alguien más, como fue el caso de Mac y Tosh). Heathcliff y Louie cargan con el sello personal de Davis, pero como él no es reconocido como un director mayor de la franquicia, sus creaciones no suelen recibir tanto reconocimiento como las de Jones, Clampett, Freleng, etcétera.

Heathcliff y Louie son las mascotas de un hogar pudiente. Heathcliff es, en pocas palabras, un gato mascota tonto. MUY tonto. CÓMICAMENTE tonto. Tan tonto que a veces incluso olvida respirar. La única razón por la que sigue vivo es que tiene a Louie, un loro ambicioso, cuidándolo (y recordándole que respirar es esencial para vivir). Siendo sinceros, Louie no parece querer mucho a Heathcliff, y sólo lo cuida porque dejarlo morir sería descortés de su parte.

Louie viendo con molestia a Heathcliff, quien se ha machucado con una trampa para ratones él solito.

Un día, la dupla se topa con el testamento de su dueño, el cual dicta que “le deja un millón de dólares (más de 270 millones de pesos mexicanos al cambio actual) de herencia a Heathcliff; y si Heathcliff muere, entonces el dinero irá a Louie”. Como el gato no sabe leer, las palabras en el papel no le dicen nada… pero el loro sí sabe leer, y sabiendo que su boleto a una vida de riquezas está en la “desaparición permanente” de Heathcliff, de repente el dejarlo morir no le suena como algo tan grosero.

De eso trata la historia de Heathcliff y Louie: del loro intentando matar al gato para quedarse con su fortuna, con todo y que el gato no sepa que hay una fortuna esperándolo en un futuro. Como ya podrán imaginar, el destino nunca le favorece a Louie, pues sus intentos de asesinato nunca le salen bien. Por otra parte, Heathcliff es tan tonto que procesa los actos del loro como simples juegos de mascotas, y nunca capta que su “mejor amigo” está tratando de eliminarlo.

Louie descubriendo que la vida de Heathcliff se puede canjear por una vida de fortuna, tras leer el testamento de sus dueños.

Es una dinámica realmente simple, pero funciona de maravilla en mi opinión. Es interesante tener al pájaro siendo el que quiere matar al gato, en vez de lo contrario como es habitual. Además, tanto Heathcliff como Louie tienen su propio carisma individual, donde el primero te cae bien por su inocencia y el segundo por su astucia. Por eso considero que estas dos creaciones de Arthur Davis merecen más reconocimiento.

10.- RALPH PHILLIPS (1954)

Para cerrar esta lista, tenemos a una de las creaciones tardías de Chuck Jones, nacida en un punto de su carrera en el que su estilo personal ya estaba en su punto más refinado. Ralph Phillips no es el típico animal antropomórfico de caricatura cuyas payasadas animadas te matan de risa. Más bien, el humor que evoca es nostálgico y reflexivo.

Ralph imaginando que está en medio de una pelea de pistolas durante una de sus clases.

Ralph es un niño de imaginación muy activa. Siempre que está en una situación aburrida o desagradable, su mente no puede evitar volar al reino de las fantasías, a veces para bien y a veces para mal. Las aventuras mentales de Ralph son como un viaje en el tiempo hacia nuestras infancias, cuando una pecera era un sinónimo de un océano, y un avión de juguete era parte de una armada del ejército.

Aunque la imaginación descomunal de Ralph le ayuda a olvidar sus problemas, también suele provocarle nuevos problemas con la gente que convive, gracias a que se desconecta demasiado de la realidad. Entre regaños de profesores y castigos de padres, Ralph se pregunta por qué pareciera que nadie lo quiere, pero pronto olvida sus conflictos internos cuando su creatividad se enfoca en algún objeto interesante.

Cuando Ralph encuentra la más mínima inspiración, su pequeña sonrisa infantil adquiere espirales. Esa es la señal de que la escena está por cambiar del mundo real al escaparate de ensueño del chamaco.
En este ejemplo, después de ver un hacha, a Ralph se le ocurre jugar a que es George Washington.

Dato curioso: la personalidad de Ralph está basada en las vivencias del propio Jones cuando era niño, pues él también se la pasaba soñando despierto. Eso explica por qué Ralph se siente como un personaje tan “real”, o sea, tan falto de ese espíritu caricaturescamente alocado del Looney Tune promedio. Pero ojo: el que este chamaco no sea como otros personajes no significa que sea aburrido. Como dije al principio de la sección, Ralph evoca un humor más empático, y supongo que por eso me agrada.

¡Y eso es todo, amigos! Espero que mis elecciones para esta lista hayan sido de su agrado.

Me costó algo de trabajo encontrar a diez personajes que encajaran con las reglas que yo misma puse, pues normalmente los personajes de los Looney Tunes suelen venir en extremos: o son de lo más llamativos, o son de lo más aburridos. De todos modos, si alguno de ustedes siente que existe otro miembro del cast clásico que está infravalorado, puede dejarlo en los comentarios. ¡Los leeré con gusto!

Con esta publicación y su precuela, ya tenemos una lista de diez personajes de los Looney Tunes que no me agradan, y una lista de diez personajes que opino que merecen más aclamo. Me he divertido mucho haciendo ambas listas, así que al terminar de escribir esta pensé “¿Por qué no hacer una tercera y así completar una trilogía de publicaciones?”. ¡O mejor aún! Para hacer un cierre con broche de oro, ¿por qué no añadirle a la tercera lista una pizca de reescritura?

Y así, decidí que cerraremos esta trilogía de listas con el tema que mencioné sutilmente en la introducción: un top 10 de personajes de los Looney Tunes con potencial desperdiciado, incluyendo una pequeña reescritura de mi parte para demostrar cómo sacaría yo a relucir ese potencial. Si bien no daré ninguna fecha, esa publicación ya está en fase de borrador, ¡así que espérenla!

Sin más que añadir, me despido. ¡Hasta la próxima, amables lectores! ¡Cuídense mucho!